2 months ago art / research day La Bellone

Friday, 19 November 2021
from 01:30:00 PM to 06:30:00 PM

La Bellone
Rue de Flandre 46 - 1000 Bruxelles
Tél: +32 2 513 33 33


a / r (art / research) aims at bringing together, disseminating and promoting artistic research developed in the context of the 16 Higher Schools of the Arts of the Fédération Wallonie-Bruxelles. This research, which develops organically in an infinite variety of contexts, is characterized by its dynamism, its diversity, its transdisciplinarity, and its constantly renewed inventiveness.

a / r invites you to join this moment devoted to an in-depth exploration of 5 artistic research practices, their methodologies and their forms of public appearance. This day will bring together researchers, students and amateurs to discuss these hybrid arrangements, their modes of circulation, and more broadly their engagement with the world.

Invited researchers: Tom de Cock & Gerrit Nulens, Adrien Lucca, Anne Penders, Sébastien Schmitz, Louise Vanneste

Programme : 
13.30: introduction
14.00-14.30: Anne Penders
14.30-15.00: Tom de Cock et Gerrit Nulens
15.00-15.30: Louise Vanneste
15.30-16.00: break
16.00-16.30: Sébastien Schmitz
16.30-17.00: Adrien Lucca

Booking on: bellone.be

Tom de Cock et Gerrit Nulens
Tom De Cock (1982) is Doctor of Arts (VUB and KCB). He received the Horlait Dapsens prize in 2007. Next to his position as percussion soloist at the Brussels Philharmonic orchestra, he has been working as a freelance musician with Ensemble Modern, MusikFabrik, etc. He is a fixed member of Ictus, Nadar, and Triatu. He is now working as the assistant percussion teacher at Conservatoire Royal de Liège.
Gerrit Nulens (1972) studied with Robert Van Sice at the Rotterdam Conservatory. He is a laureate of the Kranichsteiner Musikpreis (Darmstadt). Besides being a regular member of Ictus, he worked with Champ d’Action, Spectra, and the London Philharmonia Orchestra. Under the label PME he is publishing contemporary music with an emphasis on music with/for percussion.

Adrien Lucca
Born in Paris (France). Lives and works in Brussels since 2004. He was just awarded the prix Jules Raeymaekers (2021). Since 2009 Lucca has been developing an artistic practice around geometry, color, light, physics and perception. He has developed an in-depth exploration of the interactions between natural and artificial light, the color of pigments and glass for several monumental projects in the public space such as  Soleil de minuit (2017, Montreal), Microkosmos (2018, Brussels), Dentelles de lumière ( 2018, Rome) or Yellow-free zone (2018, Rotterdam). Parallel to studying the use of light and color in art history, Lucca has studied the contemporary science of color from a number of specialists, which led him to build his own laboratory, in which he makes use of chemistry, spectrometry, electronics and computing for artistic purposes. Lucca's most recent research aims to enrich, deconstruct and reconstruct the very definition of the concept of “color” and defying our common sense, using a tool allowing it to program the physical composition of the light. Adrien Lucca studied at the School of Graphic Research in Brussels in Belgium (2004-2009) and was a researcher in the Fine Art department at the Jan van Eyck Academie in Maastricht in the Netherlands (2010-2011). He is professor at the National School of Visual Arts of La Cambre and at the School of Graphic Research, in Brussels, Belgium. Adrien Lucca is represented by LMNO gallery in Brussels.

Anne Penders
Writer, artist, Phd in art history, anne penders is an interdisciplinary artist working with text, images, sounds, archives, and calling it “writing”. Her work is poetical and political, always trying to question position (both theoretical and territorial) in a troubled world. After concentrating on a certain idea of China (2001-2014), she chose to focus her research around Greece (2012-2021…). An encounter with a biologist in Athens led to a long term ongoing project called “peripou”, born out of a research on memory and bees and leading much further.  She currently lives in Brussels where she developps two new projects : “North America Backwards” and “shelter / nos échelles”. She has published around 20 books (essays, novels, poetry, artists books), made around 60 shorts films and 20 sound creations (documentaries and installations). She has taught in diverse art schools, and still does when invited.

Sébastien Schmitz
At the crossroads of artistic practice, research and pedagogy (IHECS, Phonurgia Nova, RITCS, IAD), Sébastien is interested in sound writings, in the aesthetics of sound in its sensitive, intimate and productive dimension. imaginary. A classical pianist, who also briefly played jazz, lover of urban nocturnal vibrations, deeply baroque and sensitive to polyphonic songs, he likes what voices say when we subtract the semantics of words, their prosody reminding us that we are part of the great orchestra of animals.In 2009, he discovered ACSR and a creative radio language. In 2015 he joined the Collectif Wow! with which he co-directs fictions, including Beaux Jeunes Monstres in 2016 (Prix Europa, Ondas, UK Drama, Gd Prix Nova, Length of Wave), Dans La Tenaille or Everyone Everywhere (2nd prize UK Drama 21). LCW! is a place of transdisciplinarity between radio and the stage. With Piletta Remix (Awarded at the Rencontres de Huy 2016, selected at the Doms, 600 performances), they explore the dramatic and aesthetic issues of a radio performing in front of an audience with headphones. With Dans les Creux Dangereux, created for the stage (Ear You Are and Bxl Podcast Festival), they experimented with transposing “live” to the studio (Phonurgia Nova Prize 2020).
Trans-media experiences allow him to confront the specificities of sound writing in various fields: photography (I'm Not Seen, Musée de la Photo de Charleroi, FI de Cortona, 2021), audiovisual (animated film Babines, prix de la Fessée, Paris, 2019), theatrical institutions (fiction series for VOIX.ES, TN), contemporary art venues (co-development of Webradio Kanal-Pompidou, 2021).

Louise Vanneste
After training in ballet, Louise Vanneste turned to contemporary dance and joined the dance school P.A.R.T.S., from which she graduated. She was offered a scholarship from the SPES Foundation (Be), allowing her to pursue her formation in New York City, including time within the Trisha Brown Dance Company.Since 2008 she is developping a choreographic work, favouring collaborations with artists from disciplines other than dance: Cédric Dambrain and Antoine Chessex for music, Stéphane Broc for video, the visual artists and lighting engineers Arnaud Gerniers & Benjamin van Thiel or Gwendoline Robin for performance and Elise Péroi for textile. Her works Sie kommen, HOME, Black Milk, Gone in a heartbeat, Therians and atla have been presented in Belgium and abroad: Kunstenfestivaldesarts - Brussels, Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, Charleroi danse, Théâtre de Liège, Halles de Schaerbeek, Romaeuropa, ADC Genève, Tanzwerkstatt Europa - Munich… Besides her projects on stage she also develops video installations such as Going West and #1.She is currently working on two new productions for fall 2021, Earths and Metakutse, a site specific piece. Alongside her choreographical work, Louise Vanneste is involved in education and transmission for more than 10 years (ISAC, Amsterdam University, Extension/Toulouse, etc.). She is the creator of Earths, a piece for four dancers, which was shown at the biennale de Charleroi Danse in October 2021. Recipient of the FRArt 2021 (Art research Funds), she will dedicate this year a specific time for his research_PANGAEA, towards the territories of the imaginary and hybrid practices. Louise Vanneste is associated artist at Halles de Schaerbeek and she is “artiste-compagnon” at Théâtre de Liège (2018-2022). Her company Rising Horses is supported by Federation Wallonie Bruxelles.

With the support of Fédération Wallonie-Bruxelles.

With the support of La Bellone.

Image: Louise Vanneste

2 months ago CALL FOR PROPOSALS: Research workshop Rendering Research ERG, Brussels and transmediale, Berlin

from Thursday, 28 October 2021
at 12:00:00 PM
to Thursday, 28 October 2021
at 11:59:00 PM

Deadline for submissions: 14 Nov
Online exchanges: 06 Dec – 17 Jan
Workshop at ERG, School of Graphic Research, Brussels: 17-19 Jan 2022
Presentation at transmediale 2021-22 for refusal, Berlin: 27 Jan 2022
Online publication APRJA: Summer 2022

Rendering Research draws attention to how research is made public, and in this sense also to the infrastructures of research and its various systems of publishing. Continuing the theme of "research refusal”, explored in collaboration with nine different research groups in 2020/21 , we explore how struggles and compromises over autonomy in research are related to those over infrastructures: What, for some, are just boring technical specifications may reveal ideological constraints or new imaginaries for others (“Study an information system and neglect its standards, wires, and settings, and you miss equally essential aspects of aesthetics, justice and change." as Susan Leigh Star puts it, in “The Ethnography of Infrastructure”.) In this sense, we investigate how the rendering of research typically reinforces certain limitations of thought and action, and more specifically to what extent it is possible to exert control over these ways of making things public. Processes of rendering research include not only the platforms used for distribution (e.g. that are in the public domain), but also the production processes and tools behind (e.g. that are attentive to ethics and sustainability), the review and accreditation practices (e.g. based on P2P and commons-based principles), and also the selection of suitable topics (e.g. that are not simply dictated by fashion).    With this background, and in continuation of the 2021-22 transmediale festival with its further connection to systems of knowledge and belief, we are seeking proposals that address contemporary art and digital culture, and that shift the register from refusal of existing research paradigms (and opting out) to alternatives that embrace the potential of rendering research otherwise. Contributions that, for instance, stress socio-technological alternatives (e.g. addressing sustainability and climate damage or platform economies) and how these are tied to the possible escape from the constraints imposed by dominant systems  (e.g. a decoloniality of research or feminist methodologies). In what ways can these infrastructures and systems subvert these existing constraints and how might they be reassembled in alternative forms? To quote the writer and theorist Irit Rogoff: “Rather than the accumulation of theoretical tools and materials, models of analysis, perspectives and positions, the work of theory is to unravel the very ground on which it stands. To introduce questions and uncertainties in those places where formerly there was some seeming consensus about what one did and how one went about it." To Rogoff this involves “an emphasis on the present, of living out a situation, of understanding culture as a series of effects rather than of causes, of the possibilities of actualising some of its potential rather than revealing its faults.” (“From Criticism to Critique to Criticality”)    In the workshop we want to draw attention and criticality to the ways in which we make our research public, and the forms it takes through speedy hands-on making. Participants will be expected to produce essays (of 1,000 words) and exchange ideas online, and to present their research in person at ERG – école de recherche graphique, école supérieure des arts (School of Graphic Research, Higher School of Arts) in Brussels where we will collectively produce a print newspaper to be presented at transmediale festival . Following the workshop, participants are also invited to extend their arguments for submission to the online peer-reviewed academic journal APRJA . Through these activities, we ask how rendering research relates to emergent DIY/DIWO practices, and explore ways of collapsing the traditional workflows of academic publishing (typically taking many months to reach its public by which time its currency is questionable), drawing more closely together work in progress and feedback, writing and print production.    The workshop is specifically targeted towards PhD/early career researchers, and we welcome submissions from researchers from inside/outside the academy, including artists, designers and curators.

The workshop is organized by Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University (Christian Ulrik Andersen) and Centre for the Study of the Networked Image, London South Bank University (Geoff Cox) in collaboration with École de recherche graphique in Brussels, and transmediale festival for digital art & culture.

4 months ago FRArt #2 meeting: the animal who I am (following), Lucille Calmel ERG

Wednesday, 6 October 2021
from 03:00:00 PM to 08:00:00 PM

rue du Page 87
1050 Brussels

La profusion de LOLcats, mèmes, vidéos animalières amateures ou chaînes sur Internet depuis plus d’une décennie, la diffusion de recherches de penseureuses, éthologues, scientifiques..., davantage d’artistes proposant des créations interespèces…, autant de signes qui nous meuvent, nous interpellent, nous donnent aujourd’hui envie de réfléchir avec vous comment nous situer, être relié·es autrement, créer entre vivant·es.

rencontre FRArt #2 l'animal que donc je suis
performance avec-par-pour des animaux autres
à l'ERG mercredi 6 octobre 2021 de 15h à 20h

15h > 17h
L'art de la performance avec/pour/par les animaux non-humains - pratiques amatrices, scientifiques et artistiques
une conférence participative menée par Clyde Lepage artiste et étudiante en master à l'ERG
Les animaux non-humains peuvent-ils être considérés comme des artistes, et leur production comme des œuvres d'art ? A cette épineuse question, il semble difficile de répondre. Mais nous avons tous et toutes en tête des exemples de collaborations interespèces, qu’elles soient issues d’un contexte artistique (bio art, écoféminisme,...) , scientifique (éthologie, zoothérapie,...) ou domestique (espèces compagnes, cohabitation interespèces,...). En partant de nos connaissances collectives, réfléchissons ensemble aux enjeux d'un art en relation avec de multiples formes de vie. Certains concepts développés par des penseur·euses (philosophes, anthropologues,...) contemporain·es pourront nous aiguiller dans le développement de ces questions.
18h > 20h
atelier de discussion et d'écoute collective : s'enchanter, s'accorder et performer entre animaux
en compagnie de Léa Le Bricomte artiste plasticienne et chargée de cours à l'université Paris 8,  Véronique Servais professeure en anthropologie de la communication à l'Université de Liège, Lucille Calmel et Clyde Lepage équipe de recherche FRArt
modéré par Michela Sacchetto historienne de l'art, doctorante à l'UCL, enseignante à l'ERG et au 75
L'atelier de discussion et d'écoute est porté par des artistes et des penseuses venant de pratiques et d'horizons disciplinaires différents, habitées par la curiosité envers les multiples rencontres cognitives, performatives et artistiques entre animaux humains et non humains. Il dérive de l'envie de partager des histoires d'expériences "enchantées" entre animaux, des récits de performances inter-espèces, des images de rencontres sensibles entre des corps vivants, des questionnements esthétiques et éthiques issus de la cohabitation et de la cocréation entre animaux qui s'accompagnent. Il se veut informel et ouvert, en forme de zig-zag ou en spirale.
CLYDE LEPAGE est une artiste multidisciplinaire belge, basée à Bruxelles. En 2019, elle obtient un diplôme de Bachelier en photographie avec grande distinction à l'ESA le 75. Elle étudie actuellement à l'ESA ERG, en Master performance et installation. Son travail photographique documentaire est publié et exposé, notamment au LUMIX Festival for Young Visual Journalism à Hanovre en 2020, et au Centre Culturel de Namur / Abattoirs de Bomel, où elle est invitée en résidence durant l'été 2020. Son oeuvre performancielle La position des coudes (ou une réponse féministe au manspreading) remporte le premier prix du concours "Female Symbols and Urban Space" organisé par la Maison Amazone. Il est depuis exposé à plusieurs reprises et diffusé lors du programme STRIDING BODIES : Procession in Performance Art, organisé par Hector Canonge, pour le réseau international d'art performance INPA en décembre 2020. Son nouveau projet mêlant performances, vidéos et photographies, Grande Perche, est sélectionné pour le “1st International Ecoperformance Festival” organisé par Taanteatro Companhia en 2021. En juillet 2021, son livre photographique Pazea Sovni est publié par les Editions Yellow Now. Ce travail est également exposé à la XXe Biennale de la photographie du Condroz, "Nouvelles vagues", en collaboration avec le Centre Culturel de Marchin.

LÉA LE BRICOMTE est une artiste française multidisciplinaire, diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2012. Elle est actuellement chargée de cours d’Art Performance à l'université Paris 8 en licence Arts plastiques.
En 2007, elle commence à travailler avec des escargots ; leurs traces sont collectées et exposées en tant que « peintures sécrétionnelles », soulignant leur accès au statut d’œuvre d’art. Mais c’est avec « L’origine du monde transmuté en dance floor pour escargots » que se révèle la véritable dimension de collaboration interespèce qui anime son œuvre : les escargots glissent ici directement sur un corps humain nu ; c’est un sexe féminin qui fait office à la fois de piste de danse et de toile. Au début des années 2010, Léa Le Bricomte se tourne vers les pigeons ; elle leur offre un mandala en graines, dont l’essence est d’être détruit par les oiseaux eux-mêmes, selon leurs propres façons de faire. Le geste de l’artiste s’efface face à celui des pigeons, ce sont ces derniers qui activent l’œuvre et la  performent. Son projet « Drone » associe quant à lui les nouvelles technologies aux anciennes : un pigeon, dans l’esprit du pigeon-voyageur issu de l’univers militaire qu’affectionne l’artiste, est équipé d’une caméra miniature. Cette fois-ci, c’est l’animal qui nous raconte sa propre histoire et nous, humain·es, qui sommes spectateurices de son voyage.

LUCILLE CALMEL est performeuse, metteuse en scène, autrice, chercheuse et pédagogue. Elle vit à Montpellier où elle initie Les Trifides, un collectif de performeuses de 1990 à 1995, puis dirige pendant dix ans avec Mathias Beyler la compagnie théâtrale expérimentale myrtilles ainsi que .lacooperative, un lieu de recherche et de résidence transdisciplinaire. Depuis son arrivée à Bruxelles en 2005, elle développe des collaborations, recherches et programmations en chair &/ou en ligne autour de la performance, de la poésie sonore et visuelle, des musiques expérimentales, des scènes numériques et œuvres interespèces.
Lucille Calmel enseigne l’installation-performance à l’ERG et intervient avec une navigation worldwidewitches évolutive au sein du certificat d’université en genre et sexualité à l’ULB depuis 2019.

MICHELA SACCHETTO est historienne de l’art, chercheuse et commissaire d’exposition basée à Bruxelles, elle poursuit des études de doctorat à l’UCL - Louvain-la-Neuve, avec une thèse sur les correspondances entre les expositions et différentes conceptions de la mythologie - et par extension du mythe - par le prisme du travail du commissaire d’exposition Harald Szeemann dans les années 1970. En 2012 elle a pris part au « Curatorlab » au Konstfack College of arts, crafts and design, à Stockholm. En parallèle, elle a commencé à co-organiser des expositions, des ateliers et des laboratoires de production et de création artistiques avec différentes associations et institutions en Europe. Depuis 2012, elle est membre de la plateforme curatoriale [or nothing]. Elle enseigne à l'erg, à l'ESA le 75 et à l'Arba à Bruxelles.

est psychologue de formation. Aujourd'hui, elle est professeur en anthropologie de la communication à l'université de Liège. Ses recherches s’inscrivent dans les human-animal studies, c’est-à-dire l’étude, multidisciplinaire, des relations entre les êtres humains et les animaux. Dans une société qui s’interroge de plus en plus sur son rapport au vivant, Véronique Servais cherche à comprendre les dispositifs culturels qui organisent les rencontres entre les humains et les animaux et la nature, ainsi qu’à décrire les interactions et la communication humains/animaux sous l’angle du sensible et des affects. Outre de nombreux articles, elle est l’auteur (avec Jean-Luc Renck) de L’éthologie.
Histoire naturelle du comportement (Ed. Seuil) et de La science [humaine] des chiens, aux éditions Le bord de l’eau. Elle est également responsable du « Certificat Universitaire en Médiation animale et Relations à la nature »  à l’Université de Liège. Après avoir mené une étude sur l’enchantement dans les rencontres avec des dauphins, elle s’intéresse aujourd’hui en particulier à la dimension créative et thérapeutique du rapport au vivant. Elle mène actuellement une étude sur le changement qui survient dans la perception du soi lors de rencontres avec des mules, ainsi qu’une recherche avec Pietro Varasso (ESACT, Liège) et Magali Ollagnier-Beldame (ENS, Lyon) sur l’expérience de soi dans la nature. Ses projets pour l’avenir sont de contribuer à une science humaine des animaux.

Image : Clyde Lepage, Animal Selfies.